Dans l'un des transferts les plus chauds de l'année, celui d'Ava Pickett 1536 au Théâtre de l'Ambassadeur vaut le battage médiatique. Quoi que vous ayez déjà entendu parler de cette pièce, que ce soit depuis sa première diffusion au Théâtre Almeida ou le fait qu'elle soit coproduite par Margot Robbie, croyez que c'est vrai.
C'est la meilleure pièce que j'ai vue depuis très longtemps, juste derrière celle de Kimberly Bellflowers. John Proctor est le méchant (également en raison d'un transfert prochain dans le West End), et ce n'est pas une coïncidence si les deux présentent des sujets similaires à travers une lentille historique, prouvant que même s'il s'agit peut-être du « passé », cela n'annule pas l'impact sur le présent.
La pièce se déroule en 1536 (comme on peut s’y attendre). Une année pertinente dans l’histoire britannique si vous vous souvenez de votre monarchie Tudor de vos années d’école. Dans un petit village à l'extérieur de Londres, trois amis apprennent de la capitale que le roi a emprisonné sa reine (Anne Boleyn) pour trahison présumée en raison de son comportement adultère.
Alors qu'au départ nos personnages principaux Mariella, Anna et Jane (pas de récompense pour la pertinence des deux dernières) voient cette nouvelle comme de simples ragots à examiner, Anna demandant langoureusement « qu'est-ce que le mariage du roi a à voir avec vous ?
Ce qui suit est une exploration incroyablement spirituelle et d’actualité acerbe du pouvoir, de la politique, de la sexualité, du genre, de la beauté et de la vérité. Malgré le cadre historique, le scénario est en anglais moderne, avec une bonne dose de langage grossier et un sens de l'humour rapide qui suscite les rires du public, offrant un contraste frappant avec le silence et les halètements du public dans les moments d'une pertinence choquante. C'est urgent et convaincant, aidé dans le rythme par des pannes complètes entre les scènes et un écran de couleur subtilement changeant derrière un paysage aride qui ne change pas. Ceci, ainsi que l'éclairage de xxx, contribuent à l'évocation de la luxure, du désir et plus tard d'un sentiment étrangement effrayant de destruction.
Le trio de femmes qui donne vie aux personnages principaux s’appuie sur les épaules des grandes femmes des coulisses. Siena Kelly est incendiaire dans le rôle d'Anna, équilibrant habilement l'humour tranchant, le flirt lascif, les moments de tendresse et de rage qui s'infiltrent dans le public. Elle est soutenue par Tanya Reynolds dans le rôle de Mariella, qui suit la ligne de passivité et de douleur tout au long, et Liv Hill dans le rôle de Jane qui, bien qu'absente pendant une grande partie de la seconde moitié de la pièce, revient sur scène dans un moment dramatique et de dévastation à couper le souffle.
(De gauche à droite) Tanya Reynolds, Siena Kelly et Liv Hill
La mise en scène de Lyndsey Turner est concentrée au laser, le scénario de Pickett se faufilant habilement entre des sujets complexes d'une manière qui ne semble jamais discordante ou laborieuse, malgré la présentation en un seul acte. C’est éminemment citable et terriblement humain. Dans une scène, Mariella réfléchit à un monde sans hommes – elle dit qu'elle serait capable « d'entendre davantage les oiseaux et de moins regarder le sol » – une réflexion poignante qui ne concerne peut-être pas « tous les hommes », mais je doute que vous trouviez une femme qui ne puisse pas résonner avec ce sentiment.
Dans un monde constamment connecté, je ne me souviens pas de la dernière fois où je me suis retrouvé assis devant un public aussi captif. Au point qu’à un moment crucial du conflit, quelqu’un a crié (avec un fort accent irlandais qui ne fait qu’ajouter au drame) : « Comment oses-tu ?! Un autre encore a encouragé des cris plus forts dans un moment de colère compatissante que partagent deux personnages. Loin de moi l’idée d’encourager un appel et une réponse dans un cadre théâtral, mais lorsqu’un public est tellement investi dans une histoire qu’il ressent chaque mot au plus profond de lui-même, cela ne sert qu’à démontrer l’universalité de l’histoire racontée et la puissance d’une expérience partagée.
Tout au long du film, il y a des références à la température, à la chaleur et à la sensation d'étouffement des personnages. Et dans les derniers instants de la pièce, cela atteint un véritable crescendo. Vous ressentez un sentiment collectif d'oppression, une respiration retenue trop longtemps qui, dans sa finale, se transforme en cris de colère, en larmes et en applaudissements enthousiastes.
Qu’il s’agisse de 1536 ou de 2026, ce sont des conversations nécessaires et des questions omniprésentes. « Comment peut-on vivre ainsi ? Comme si tout était déjà écrit ? » » demande Anna exaspérée, confrontée à la prise de conscience de son manque d'action dans le monde réel (au-delà de celui de sa sexualité) dans un monde où les règles évoluent. C'est aussi un avertissement simultané pour nous d'utiliser notre pouvoir ; une tentative puissante de se réapproprier le récit et un cri de ralliement pour donner la parole à ceux qui ne sont pas entendus à l'époque ou, près de 500 ans plus tard, aujourd'hui.
1536 joue au Ambassador's Theatre jusqu'au 1er août 2026. Pour plus d'informations et pour acheter des billets, veuillez visiter www.theambassadorstheatre.co.uk.
